back


À la recherche de nos derniers Far West
par Pedro Morais dans Le Quotidien de l'Art, 12 avril 2018

Quand Nicolas Bourthoumieux a été invité à participer à la série d’expositions de la vitrine de l’atelier de Michel François à Bruxelles, il y a discrètement superposé trois livres dont les titres sont les noms de trois villes (Détroit, Pompéi, Fukushima) symboles de catastrophes économique, naturelle et nucléaire. C’est un condensé subtil de son univers teint d’un certain pessimisme, ancré dans la matérialité du quotidien mais porté vers ce qui nous déborde. En ce moment à la galerie Catherine Bastide (Marseille), et bientôt à Société (Bruxelles), il a placé en extérieur ce qui ressemble à une plaque commémorative mais où est gravé le futur : les horaires de passage d’un satellite nord-coréen pendant la durée de l’exposition. « Qu’est-ce qu’une arme aujourd’hui ? Désormais, pour gérer la peur et la menace, il n’est même pas nécessaire qu’il se passe quelque chose », dit l’artiste. Cette inquiétude traverse un travail tout en tension, à l’image des tiges en métal ployées aux dimensions de l’espace (obligées d’être détruites à la  fin), ou ces peintures où des traits à huile (comme un marqueur des jours) disparaîtront progressivement rongées par le bitume dont est enduite la toile. Si une rage sourde habite les installations de Nicolas Bourthoumieux, rappelant une jeunesse de skateur et musicien punk dans un village des Pyrénées, elle est aussi traversée par une dimension tellurique, un romantisme âpre. Dans une vidéo, il se fait lécher la rétine, tandis que, sur une photo, une jeune  fille allongée sur le bitume s’adonne à un bain de soleil morbide, le visage recouvert de feuilles d’or. Plutôt que d’une théâtralité grandiloquente, l’artiste part souvent de faits divers : « J’ai découvert que des avions stockés dans le Nevada sont recyclés en canettes de soda : il y a un vertige à imaginer que nous buvons dans des bouts d’avions de la guerre du Vietnam. J’ai à mon tour recyclé des canettes en forme de traces d’avions dans le ciel, dit-il. Quand j’assemble une pierre volcanique de l’Etna à une autre de l’île de Pâques, pourtant issues des antipodes, je rappelle qu’elles viennent d’un même magma, du centre de la terre, ignorant nos frontières. Le ciel et les abysses sont nos derniers Far West. »
P.M.



***





Nicolas Bourthoumieux
par Guillaume Désanges
2017

Les formes de Nicolas Bourthoumieux, aussi abstraites puissent elles paraître, sont hantées par une foule de fantômes. Artiste mobile, il s’inspire de la mémoire, consciente ou inconsciente, des endroits qu’il traverse. Un régime de l’urgence et de la nécessité de faire image avec les moyens du bord, qu’ils soient matériels ou affectifs. Autrement dit, aussi bien avec les lieux, les objets et les matières que leurs récits accumulés. S’il y a une part de non contrôle, d’intuition, voire une délégation de la décision artistique à la contingence, à la fatalité ou au hasard, il y a aussi tout un réseau clandestin d’histoires personnelles et universelles ainsi que des références à l’histoire de l’art qui percent la surface des choses. Ces couches mémorielles de grande et de petite histoire, de présent et de passé, de savoir et d’émotion se retrouvent cristallisées dans des œuvres qui sont autant de fossiles plastiques. Aussi mobile que son auteur, la pratique de Nicolas Bourthoumieux s’est déplacée de la photographie à la sculpture et au film. Aujourd’hui, tous ces médiums mélangés fondent sa pratique, qui porte la trace discrète de son origine punk, dans la facture aussi bien que dans les motifs. Collages rapides et brutaux de matières et d’images (la vidéo d’un œil léché capté par une caméra infrarouge côtoie un portrait de l’icône underground anarchiste Florence Rey) avec une prédilection pour les rebuts (canettes de bière, réfrigérateur défoncé) et les matières industrielles (bitume, essence, white spirit). Violence, cruauté, ivresse et destruction affleurent dans des œuvres qui restent minimales, comme une rumeur de fond tapageuse que viendrait masquer l’apparente rigueur des formes. Mais derrière cette dureté et cette noirceur retenue, il y a comme une forme de romantisme brut chez Nicolas Bourthoumieux, un onirisme qui tend vers la pureté, hommage à la fièvre d’une jeunesse prête à se casser la tête (au sens propre) pour s’abstraire du réel.



Nicolas Bourthoumieux
by Guillaume Désanges
2017

As abstract as they may seem, Nicolas Bourthoumieux’s forms are haunted by a host of ghosts. As a mobile artist, he draws inspiration from memories, conscious or unconscious, of the places he passes through. A system of urgency and the need to create imagery with the available wherewithal, be it material or affective. Otherwise put, as much with places, objects and forms of matter as their accumulated narratives. If there is a share of non-control, hunch, and even a delegation of the artistic decision to contingency, fatality or chance, there is also a whole clandestine network of personal and universal histories as well as references to art history which pierce the surface of things. These layers of memory of history great and small, present and past, and knowledge and emotion are crystallized in works which are like so many plastic fossils. Nicolas Bourthoumieux’s praxis, which is as mobile as its author, has shifted from photography to sculpture and film. Nowadays, all these media mixed together are the basis of his activity, which bears the discreet trace of his punk origins, in the style as well as in the motifs. Swift and brutal collages of matter and imagery (the video of a licked eye caught by an infra-red camera rubs shoulders with a portrait of the underground anarchist icon, Florence Rey), with a fondness for things discarded (beer cans, a broken refrigerator) and industrial materials (bitumen, petrol, white spirit). Violence, cruelty, drunkenness and destruction all come to the surface in works which remain minimal, like a rowdy background noise masking the apparent rigour of the forms. But behind this hardness and this restrained darkness there is something akin to a form of raw romanticism in Nicolas Bourthoumieux’s work, something dreamlike which tends towards purity, a tribute to the frenzy of a youth ready to smash its head (quite literally) to extricate itself from reality.


***






Hans Theys
Praise! Some words about meeting Nicolas Bourthoumieux

For days I have postponed writing this collection of impressions because my visit to Bourthoumieux’s studio gripped me like a clenched fist. Firstly because of his photographs showing drug-using friends, reminding me of my own years lost to stupidity and my own friends lost. Secondly because of the slow but certain way he seems to have extracted himself from this hell, discovering the power of art. (I don’t know if he sees it that way, I’m just writing down what I felt.) In a strange way, this salvage seems to spring from the naked butts of girlfriends and other friends that have passed out on the floor. At some point Bourthoumieux (1985) seems to have discovered that one can also sculpt butts. In sculptures by a former assistant to Rodin, sculptures that are scattered about Bourthoumieux’s hometown, he must have found a way out of the material bodily world of drug abuse. Slowly a shining butt, surrounded by the night, must have turned into a loophole. (Suddenly we recognise our friends among the lying figures in ‘Le Radeau de la Méduse’.)
I stroll through Bourthoumieux’s studio and discover one work after another, all of them emerging out of a blackness, charged with sensuality, gasping for air. Two photographs form a diptych: on the left a black and white photograph of a dark animal’s lair in a white dune, on the right a tilted photograph of a white sculpture surrounded by dark bushes. I think the sculpture represents Amor leaning over Psyche. Tilted by 90 degrees, the sculpture reminds us of the female sex. It’s the origin. Here starts the world. Here starts a new life, dedicated to art. Another diptych shows a photograph of a broken sculpture on the left and on the right a slab of concrete, turned into a dark mirror by adding graphite. “It doesn’t reflect your face, but it reflects colours,” the artist remarks. From time to time we witness the birth of colour, for instance in a video showing a singer performing: the original image was so dark that it had to be brightened. The artist likes the resulting noise, but also the appearance of colour. A white ashtray in the shape of a hand shows a black palm, partly covered with ashes. “I had a friend who used his hand as an ashtray,” the artist adds. A black hood, made from what used to be a pair of trousers, contains only one opening for an eye... (“I read a book about the historic elephant man.”) Fragments from an unprepared canvas, sewn together, covered with chrome and tar, become powerful paintings. Their borders are covered with iron. The artist loves to weld. The studio contains two lamps, made out of cut and welded iron, but also two sculptures attached to the wall: big handles, visibly made from pieces cut out of an iron hand rail. Hand rails prevent us from falling, they help us to climb. Here, condensed, they become sexually charged. They seem to offer us something stable. They are shiny and black at the same time.
The artist now introduces me to nine looped videos he will show in the exhibition. The background on his desktop is black. The  films were made with a small camera. Some have sound, others haven’t. I see an image of the singer in the dark, followed by an image of a tiger that repetitively laments (“Shot in Belgrade, on the same day the zoo’s director died.”). Both songs merge. Then I see the image of a pigeon caressing or attacking the eye of another pigeon. Somebody plays ‘Gloomy Sunday’ on a piano, with his foot. (“Suddenly the foot becomes monstrous.”) A crane resembling a dinosaur biting into a concrete building. A man holding a tripod, walking through a room  filled with smoke. (“The tripod becomes a claw.”) A man killing a chicken with his bare hands. A leak, dripping. (“I like the word “fuite” (leak) because it seems to propel us, to bring us somewhere else.”) Reflecting sheets of coloured glass. A man rolling over the floor. Is he dancing or suffering? We don’t know. Together these nine short videos tell us everything and nothing. They speak about death, fear, tenderness, sculpting, sublimation and spirituality. The artist tells me he would like to sew the projection screens himself, using discarded pieces of cloth. I feel every detail will be taken care of. I’m curious about the sound. I wonder when the artist will  find out that ‘Gloomy Sunday’ is actually a hopeful song.
“I grew up in the mountains,” he says. “Surrounded by mountains you feel you are nothing. It’s like you’re on a raft in the middle of the ocean. You can make art to decorate the world, but you can also try to evoke things that surpass us, things we cannot explain. I like music that becomes cosmic. Sometimes we feel there’s no place for us, but then we find hope in what surpasses us.”
Then I see more images of sculptures: potatoes covered with gold leaf, rotting inside, a concrete slab covering a mattress (and hiding two photographs of a friend who had an accident), a concrete slab on a chair of which one leg stands on an egg, a concrete block resting on the base of a rocking chair, a bicycle cut in two... The artist shows me the small camera he stole from his parents at the age of thirteen (“It has a wide angle.”). He shows me Dürer’s ‘Melancholy’. (“The rainbow cannot be explained. Art and science cannot help.”) We sit in silence. We think of Nan Goldin, Harmony Korine, Larry Clark and Dash Snow. We think of Nietzsche, Bukovski and Cioran. I remember my friends that are now gone. And I praise the lord for having created coffee.

Montagne de Miel, 16 August 2015



***







Jeanne Dreyfus Daboussy
2011

Faire un tableau, dit R. M. Rilke en 1902, « n’est-ce pas voir un homme comme un paysage et y a-t-il un paysage qui ne soit pas tout plein de celui qui l’a contemplé ?». Nicolas Bourthoumieux vit et travaille à Bruxelles à la création de vidéos, d’installations, de peintures, de photographies imprimées sur poster, dont on voit le grain et les traces de pliage, montrant des silhouettes et des paysages désolés, ou des corps en gros plan étalés par terre, comme des paysages dont ils signeraient l’horizontalité, en accord avec celui du regard. Une série d’images, de séquences captées dans son village natal des Pyrénées, à l’école de La Cambre ou dans les rues de Bruxelles, peuplent une collection d’archives d’expériences adolescentes mutées en expériences artistiques. Faire passer le temps se transforme en matérialiser le temps, celui qu’il faut pour que se dissipe la fumée après une explosion, pour que chute une bouteille du haut d’un immeuble (la chute (eau)), que ploie un appareil photographique serré dans un étau (SHIT-BOOB- CRAP), autant de libération ou de maîtrise d’énergie faisant de ce qui précède ou succède un événement infime la structure d’une possibilité plastique.
A l’instar de certains films de l’enfant du punk Harmony Korine qui utilise des pellicules sur lesquelles les enregistrements successifs entravent la lecture de l’image, derrière l’amateurisme volontaire qui use du fish eye, du nightshot, de la quasi-absence de postproduction et de la durée généralement courte des films, les vidéos de Nicolas Bourthoumieux mettent en avant la matérialité du support par sa détérioration. Destruction créatrice, morcellement et matérialisation sont comme autant de moyens de ralentir le flux visuel ou vital. Du chaos étymologiquement « béance », à partir d’images glanées dans les cinémas, sur Internet, d’éléments trouvés sur place dans le studio, émergent des figures au ralenti, comme celle de l’œil léché, filmé dans l’obscurité (Baiser l’œil aveugle), évoquant autant la scène d’Un chien Andalou où un œil est coupé par une lame, que les images des violences en Irak ou la sex tape de Paris Hilton filmée en infrarouge, dont l’artiste a comme voulu nous laver, pour une trentaine de secondes.

***